2013/10/31

Siren Song

[texto en español]



Aste honetako sarrera berezia da n lehendabiziko aldiz laguna den blog honekin bat egingo dugulako, konpositore baten alde desberdinak aurkezteko eta garatzeko asmoz. Konpositorea Jonathan Dove britainiarra da eta OperaXXtik bere lan operistikoa aurkezten dugun bitartean beste bloga, liederabend-ek musikari honek egindako liederrak aurkeztuko dizkigu. Bi blogek bat egiten dugu zuek Jonathan Doveren lana hobeto ezagutu zaitezten.

Sirenen kantua esamoldea faltsua den hitz ederrekin gauzatutako mezua azaltzeko erabiltzen da. Sirenak alegiazko izaki mitologikoak dira eta beraien kantua tresna zen gizakiak, bereziki mariñelak, erakartzeko. Dena faltsua, ezer ez da egia. Hortik dator adierazpenaren erabilpen herrikoia. Gaur ekartzen diuedan operaren izenburuak, zer nolako esanahia du?

Siren Song (Sirena abestia) Jonatahn Dove britainiarraren ganbara-opera da, 1994. urtean egindakoa eta gaur hona ekartzen dut adibide interesgarria iruditzen zaidalako hogei opera baino gehiago idatzi duen konpositorea ezagutzeko, besteak beste Flight (Hegaldia) edo The Adventures of Pinnocchio (Pinotxoren abenturak), beharbada bere lanik ospetsuenak. Gaurko operaren iraupena laburra da, ordu eta laurdena, eta baliabide musikalak ez dira handiak.

Siren Song operak gizakiok errealitatetik at bizitzeko daukagun erreztasuna kontatzen digu. Davey, mariñela, maitemindu da Dianarekin. Eta nor da Diana? Dianak iragarki bat jarri zuen aldizkari baten non mutil lagunaren bila dabilela aitortzen du. Daveyk erantzuten dio eta harremanari hasiera ematen diote. Daveyk burua galduko du, baina ezin izango du bere harremana gauzatu Jonathanek berri izugarria ematen diolako: Dianak gaixotasun larria du; Dianak eztarriko minbizia du.

Historia honetan, zein da sirenaren abestia? Zer da faltsua? Dana. Diana ez da esistitzen; berez, bere iragarkia gizon batek, Jonathan izenekoak idatzi zuen eta Daveyk bizi izandako historio osoa gezurrezkoa izan da. Daveyk ezin du sinistu baina azkenean froga fisikoak emango diozkiote eta onartu beharko du, iparra galduz. Davey mariñela da eta operaren azken eszenan Davey, bere itsasontziaren barandatik Dianaren ahotsa, kantua, entzungo du, sirenaren abestia.

Jonathan Dovek gizakiak daukan maitasunaren beharra lantzen du eta sirenaren mitologia erabiltzen du gure irudimenak gaztelu faltsuak eraikitzeko daukan erreztasuna. Eta Jonathan Dovek hainbat zelula musikalak erabiliko ditu ostinato teknikarekin historioa aurrera eramateko. Itxuraz, musika xinplea baina entzuleak harrapatuta gelditzen da Dovek garatzen duen kromatismoagatik. Zelulak identifikatu eta gero –adibidez, operaren hasiera xilofonoak bere ostinatoarekin Daveyren egoneza azaltzen digu- entzulea prest dago argumentua jarraitzeko eta pertsonaien sentimentuak ezagutzeko.

Ikus ditzagun opera hone  bi bideo. Lehenengoan Balin suertatzen da ekintza dramatikoa. Jonathan Daveyren argazkiak egiten ari da. Davey bere Diana maitagarria bikiniz jantzita nola egongo litzateke imajinatzen ari da eta bitartean itsasontzian Daveyk Dianari egindako balizko dei telefonikoak ikertzen ari dira, irregularrak izan daitezkelako (1).


Bigarren bideoan operaren amaiera dugu. Daveyk egia ezagutzen du. Berak jasotako eskutitz guztiak ez ziren Dianaren eskutik atera, Jonathanena baizik. Jakingo dugu ere Jonathanen benetako izena Brian Trevis dela, timatzailea. Dena gezurra izan da eta Daveyk sirena baten kantuaren biktima da. Kantu hau operari amaiera emango dion soiua entzungo dugun azkena izango da (2).


Bertsioa: Jonathan Doveren Siren Song (1994), Brad Cooper (Davey, tenorea), Mattijs van de Boerd (Jonathan, baritonoa), Amaryllis Dieltiens (Diana, sopranoa), Mark Omvlee (begiralea, tenorea), Marijn Zwitserlood (kapitaina, baxua), Siren Ensemble, Henk Guittart (zuzendaria).



Esta semana tenemos entrada especial pues por primera vez, y en trabajo mancomunado con un blog amigo, presentamos dos diferentes facetas artísticas de un compositor, el británico Jonathan Dove. Desde OperaXX nos introduciremos en su faceta operística; desde liederabend se abordará su obra liederística. Unimos las fuerzas de los dos blogs en aras de presentaros algo más completo.

La expresión canto de sirena nos relata ese discurso falso compuesto de palabras bellas pero vacuas. Las sirenas, seres mitológicos, cantaban para atraer a la perdición a los seres humanos, sobre todo a los marineros. Todo es falso, nada es cierto. Este es el uso de tal expresión popular pero ¿qué significado tiene tal expresión en el título de la ópera que hoy traemos?

Siren Song (Canto de sirena) es una ópera de cámara del británico Jonathan Dove, estrenada en 1994 y es ejemplo interesante para conocer a un compositor que ha compuesto ya una veintena de ellas, entre ellas las más conocidas -y que algún traeremos a este blog- Flight (Vuelo) o The Adventures of Pinnocchio (Las aventuras de Pinocho). La duración de la ópera de hoy apenas sobrepasa la hora y cuarto y los medios musicales exigidos son exiguos.

Siren Song nos cuenta la facilidad que tiene el ser humano para ausentarse de la realidad. Davey, un marinero, se ha enamorado de Diana. Pero, ¿quién es Diana? Es quien ha puesto un anuncio en el periódico solicitando una relación estable y Davey, tras dudar, ha decidido responder afirmativamente a tal petición, dando comienzo a la relación. Davey perderá la cabeza pero nunca podrá hacer realidad esa relación pues,por Jonathan conoce una tremenda noticia: Diana está muy enferma; Diana padece cáncer de garganta.

En esta historia, ¿cuál es el canto de sirena? ¿Qué es falso? Todo. Diana no existe; en realidad el anuncio ha sido publicado por un hombre de nombre Jonathan y la historia vivida por Davey ha sido una enorme burla. Davey no puede dar crédito a la nueva situación a pesar de las pruebas físicas  presentadas; al final, perderá el norte teniendo que asumir la extraña situación. El joven marinero, en la última escena, desde la barandilla de su barco, escuchará la voz de Diana a modo de canto de sirena.

Jonathan Dove trabaja el tema de la necesidad del amor por parte del ser humano y la figura mitológica de la sirena se utiliza para concretar la facilidad que tenemos para construir castillos en el aire. Y Jonathan Dove crea células musicales que utilizadas a través de la técnica del ostinato permiten construir la estructura dramática. Aparentemente estamos ante una música sencilla pero el oyente se siente atrapado por el cromatismo musical de Dove. Una vez identificadas tales células –por ejemplo, el ostinato generado por el xilófono al comienzo de la ópera y que responde a la inestabilidad de Davey- el oyente está preparado para seguir el argumento y conocer los sentimientos de los personajes.

Veamos dos vídeos de esta ópera. El primero nos muestra la escena que ocurre en Bali. Jonathan saca fotografías a Davey mientras este se imagina cómo sería su amada Diana vestida con bikini; y mientras en su barco se están investigando las supuestas conversaciones telefónicas entre Davey y Diana por supuesto incumplimiento del reglamento (vídeo arriba, nº1).

En el segundo vídeo podemos ver y escuchar el final de la ópera. Davey ya conoce la verdad. Las cartas que él recibía no eran escritas por Diana sino por Jonathan. También sabremos que Jonathan es, en realidad, un timador de nombre Brian Trevis. Todo ha sido una gran mentira pues Davey ha sido víctima de los cantos de sirena. Será precisamente la voz de la sirena la que cerrará la ópera (vídeo arriba nº2).

Versión: Siren Song, de Jonathan Dove (1994), Brad Cooper (Davey, tenor), Mattijs van de Boerd (Jonathan, baritono), Amaryllis Dieltiens (Diana, soprano), Mark Omvlee (supervisor, tenor), Marijn Zwitserlood (capitán, bajo), Siren Ensemble, Henk Guittart (dirección musical).
  

2013/10/26

Zaragoza: Der Kaiser von Atlantis (Viktor Ullmann)



Zaragoza saiatzen ari da operaren munduan sartzen eta hasiberria den bidai honetan ezinbestekoa bihurtzen ari da da bertako erakundearen lana, Miguel Fleta Operaren Aragoiar Elkartearena hain zuzen ere. Aurten lehendabiziko pausu handia eman dute eta beraien lehen produkzioa taularatu dute; eskertzekoa da une berezi honetarako XX. mendeko izenburu bat aukeratua izatea, Viktor Ullmannen Der Kaiser von Atlantis (Atlantidako Enperadorea).

Viktor Ullmann judutarra zen eta horregatik naziek bere musika debekatu egin zuten. Entartete Musik  (Musika Endekatua) izeneko zerrenda lotsagarri hartan sartu zuten Viktor Ullmannen izena eta horrela bere musika eta beste konpositore askoren musika desagertu zen. Berez, opera hau ez zen estreinatu 1975 urtera arte, alegia, nazien garaipena luzeegia izan zen eta gure lotsagarako bere musika gaur egun ere erdi izkutuan mantentzen da.

Judutarra izanda naziek ere atxilotu eta espetxeratu egin zuten eta horrela ia hiru urte eman zituen Theressienstadt konzentrazio-gunean non opera hau idatzi eta estreinatu zuen. Leku berean beste lan nahikotxo idatzi zituen hauen artean beste opera batzuk, baina gehienak galdu egin dira. 1944ko urriak 16an naziek Viktor Ullmann Auschwitzera eraman zuten eta bi egun beranduago gaseatu zuten.

Guzti honen ondorioz Der Kaiser von Atlantis Holokaustoaren sinbolotzat hartzen da eta horregatik erabat egokia da Operaren Aragoiar Elkarteak estreinaldiarekin batera Holokaustoaren inguruan antolatu dituen erakustaldi eta hitzaldiak. Ausarta oso erakunde berri batentzat lehen opera hau izatea eta txalogarria bai ideia bai emaitza bera. Jarraitu baino lehenago ikus dezagun bideo hunkigarri hau non Gerald Finley baritonoak Auschwitz konzentrazio gunean opera honen azken eszena abesten duen.




Zaragozako Principal Antzokiak oso sarrera polita erakusten zuen emanaldiaren hasieraren momentuan. Hemezortzi musikariek eta sei abeslariek pijama marradunarekin jantzitak, hasieratik ikusleok konszienteak izan gaitezen zer nolako egoeran eman zen opera honen estreinaldia. Proposamen eszenikoa Martha Egilior bilbotar gaztearena da proposamen ausarta bezain bortitza burutuz. Ez dauka Egiliorek inolako arazorik nazien indarkeri basatia deskribatzeko eta ezohikoak diren eszenak ikusi eta bizi ahal izan genituen. Emanaldia bukatu eta berehala ikusle batzuk krudelkeriarekin esplizituegia izatea leporatu zioten baina lerro xume hauetatik Egilioren lana babestu nahi dut: nazismoaren aurreran holako irakurketak egitea ez beharrezkoak, ia derrigorrezkoak direla esango nuke.

Abeslarien artean azpimarragaria da guztion krompromisoa. Nik bereiziko nuke Toni Marsolen lana (Kaiser Overall), ahots ederra eta intentzio zoragarria erakutsi zuelako, bereziki operaren amaiera monologoan non berak protagonismo osoa eskuratu zuen. Txalogarria ere José María Sánchez-Verdú ren lana zuzendaritzan, orkestra txikia ederki gidatu zuelako, opera honen melodia eta tragedia sakona agerian utziz.

Beste partehartzaile guztiek ederki burutu zuen beraien lana eta izen-abizenak fitxa artistikoan irakur dezakezue. Azpimarratzekoa, beharbada, Walter Castillo aktorearen interpretazio bortitza bezain hunkigarria, ederki marraztu baitzuen soldadu nazien noraeza.

Zaragozak aurrerapusua eman du. Honaino heltzeko bidea ez da erreza izan baina oraindik badatorkie oso une konplikatua: sortutako ilusio guztiari jarraipena ematea eta ondorioz, Zaragozan operari lekua egitea. 

Fitxa artistikoa: Viktor Ullmannen Der Kaiser von Atlantis, Antoni Comas (Arlekin, tenorea), Toni Marsol (Enperadorea, baritonoa), Walter Castillo (Soldadua, aktorea), Martha Mathéu (Gaztea, sopranoa), Claudia Schneider (mezularia, mezzosopranoa), Josep Ferrer (Heriotza eta Narratzailea, baxua), Aragoiko Erresumaren Orkestra, José María Sánchez-Verdú (zuzendaria). Zaragozako Principal Antzokia, 2013ko urriaren 24a.



Zaragoza está tratando de introducirse en el mundo operístico y en el camino recién comenzado está siendo fundamental el trabajo de la Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta. Este año la asociación ha dado un paso adelante importante tal es la puesta en escena del primer título y es de agradecer que para esta ocasión el título elegido haya sido uno del siglo XX, en concreto Der Kaiser von Atlantis (El emperador de la Atlántida), de Viktor Ullmann.

Viktor Ullmann  era judío y como tal su música fue prohibida por el régimen nazi. Su obra fue introducida dentro de esa vergonzante lista de la Entartete Musik (Música degenerada) y así se provocó la desaparición de la música de este y otros muchos compositores. De hecho esta obra no fue estrenada hasta 1975, es decir, que los nazis consiguieron una victoria demasiado larga, llegando para nuestra vergüenza hasta el día de hoy pues la música de Ullmann sigue arrinconada.

También por ser judío fue detenido y deportado, pasando más de dos años en Theressienstadt, donde siguió escribiendo y estrenando obras (entre ellas varias óperas hoy perdidas) hasta que el 16 de octubre de 1944 fue enviado a Auschwitz, donde sería gaseado solo dos días después. 

Por todo ello Der Kaiser von Atlantis es obra símbolo del holocausto y son de aplaudir las actividades complementarias que la Asociación ha celebrado en torno a la representación de la ópera, con exposición y distintas conferencias. Tanto la idea como el resultado de la misma solo merecen nuestro reconocimiento y aplauso. Antes de seguir adelante veamos un vídeo que recoge la escena final de la ópera cantada en el mismo campo de concentración de Auschwitz, en la voz del barítono británico Gerald Finley.




El Teatro Principal, de Zaragoza presentaba un aspecto hermoso en el momento del inicio de la representación. Los dieciocho músicos y los seis cantantes, vistiendo el pijama de rayas con el que se identificaba a los prisioneros, nos introdujeron desde el inicio de la velada en el contexto histórico del estreno. La valiente y dura propuesta escénica era de la joven bilbaína Martha Egilior, que no tiene ningún problema para presentar la cara más cruel de los soldados nazis. Tuvimos la oportunidad de ver escenas poco habituales en escenarios operísticos y al final de la función era patente el desconcierto de algunos, reprochando un exceso de ecreación de la violencia. Valgan estas humildes líneas para defender el trabajo de Martha Egilior; frente al nazismo no solo es necesario, diría que incluso obligatorio describir tal crueldad.

Entre los cantantes sobresalió el barítono Toni Marsol (el Kaiser), de voz hermosa e interpretación realmente brillante, especialmente en la escena final de la obra, donde adquiere protagonismo absoluto. También merece aplauso la labor de José María Sánchez-Verdú en su labor de dirección, guiando de forma eficiente a la pequeña orquesta y dándonos a conocer tanto la parte melódica de la obra como la profunda tragedia que se vive.

El resto de participantes, reseñados en la ficha artística, cumplieron de forma brillante aunque creo merecido reseñar la actuación de Walter Castillo, tan dura como emotiva en su papel de desquiciado nazi.

Zaragoza ha dado un paso adelante. Toca ahora asumir un reto mayor: dar continuidad a la ilusión creada y conseguir, en consecuencia, que Zaragoza logre un lugar en el mundo de la ópera.

Ficha artística: Der Kaiser von Atlantis, de Viktor Ullmann, Antoni Comas (Arlequín, tenor), Toni Marsol (Emperador, barítono), Walter Castillo (Soldado, actor), Martha Mathéu (Garçon, soprano), Claudia Schneider (Mensajera, mezzosoprano), Josep Ferrer (la Muerte y un Narrador, bajo), Orquesta del Reino de Aragón, José María Sánchez-Verdú (dirección musical). Teatro Principal, de Zaragoza, 24 de octubre de 2013.




2013/10/14

Teatro Real: Die Eroberung von Mexico (Wolfgang Rihm)

[texto en español]



Ehundaka opera emanaldi ikusi eta entzun arren oso gutxitan izan naiz hain konsziente bizi izandako unea neure operazaletasunaren historia pertsonalerako une garrantzitsua izango litzatekela. Madrilgo Teatro Realetik atera bezain pronto jakin izan nuen beti gogoratuko nukeela emanaldia eta etorkizunean gero eta zailagoa izango litzakeela honako esperientzia errepikatzea.

Meritoa obran dago, Wolfgang Rihmen Die Eroberung von Mexico (Mexikoren konkista). Hemen azaldu nizuen opera honen ardatz nagusiak baina onartu behar dut neure opera honen ulermena handitu dela nahikotxo opera zuzenean entzun eta gero. Honetarako giltza izan da Pierre Audi eszena zuzendariaren habilezia musikaren gordintasuna eta krudelkeri poetikoa ongi isladatzeko. Horretarako eskenatokiaren erdian jarritako egitura karratua erabali zuen, egitura hau pezoi batez inguratuta zegoelarik. Pezoitik, insektuak balira bezala, abesbatzakide eta aktoreak atera eta sartu egiten ziren, efektu optiko interesgarriak lortuz. Baina hauek ez ziren irudi erakargarri bakarrak, proposamen artistikoan ere hologramak erabili zirelako eta  beharbada txalogarrienak tamaino handiko eskeletoak izan ziren.

Honekin batera azpimarragarria da Alejo Pérez arjentinarraren zuzendaritzan egindako lana, zaila benetan hiru eremu desberdinetan kokatuak zeuden musikariak koordinatu behar zituelako. Talde nagusia ohiko lekuan egon arren, hirugarren taldea alboko bi palkoetan eta errege-palko delakoan zegoelarik. Orkestran metal-instrumentu eta bereziki perkutsioa nagusitzen dira eta perkutsio soinu-tresnak antzoki osoan zehar sakabanaturik zeuden, efektu akustiko oso bereziak lortuz.

Hala ere talde baten lana txalogarria izan bazen Intermezzo Abesbatza burututako lana izan zen; Rihmek eskatutako kantua xuxurlak, hasperenak eta soinu onomatopeikoetan oinarritzen da eta zailtasun ugari gainditu beharko zituen abesbatza. Aspaldiko partez entzundako partehazrtzerik bikainena.

Ahots nagusiak bi dira: Montezumaren papera Ausrine Stundyte soprano lituaniarrak bete zuen eta ederki egin zuela esan dezakegu. Abesteaz gain aktore bezala ere esijentzi maila handia eskatzen zion Pierre Audik eta hemen ere ez zen makala ibili. Askoz apalakoa, bere ahotsa ahulegia baita, Hernan Cortesen rolaren ardura hartu zuena, Holger Falk baritono austriarra. Orkestrarako fosoan beste bi ahots zeuden, biak muturreko tesiturak bereganatzen. Sopranoa, Caroline Stein alemaniarra izan zen; kontraltoa, berriz, Katarina Bradic serbiarra. Biek ederki burutu zuten beraien ardura.

Die Eroberung von Mexikoren emanaldiek bat egin dute Gerard Mortier zuzendari artistikoaren agurrarekin. Minbiziaz jota Mortierek orain oso erronka serioa du: bere bizitza salbatzea. Ikusle guztioi egindako oparia benetan zoragarria izan da eta nahiz eta emanaldian zehar pertsona batzuk alde egin (operaren ehun minutu luze atsedenaldirik gabe eskeini ziren eta onartu behar dugu musika hau ez dela batere erreza) gehiengo handi batek disfrutatu eta txalotu egin zuen espektakulua. Ziur naiz etorkizunerako emanaldi hauek mugarriak eta, aldi berean, garai baten sinboloa izango direla.

Fitxa teknikoa: Wolfgang Rihmen Die Eroberung von Mexico (1992), Ausrine Stundyte (Montezuma, sopranoa), Holger Falk (Cortez, baritonoa), Graham Valentine (Ohiukatzen duen gizona, aktorea), Caroline Stein (sopranoa), Katarina Bradic (kontraltoa), Madrilgo Teatro Realeko Abesbatza eta Orkestra, Alejo Pérez (zuzendaria). Madril, 2013ko urriren 12a.





Tras varios cientos de funciones operísticas puedo afirmar que pocas veces he sido tan consciente de estar viviendo un momento que en mi memoria de aficionado iba a perdurar por siempre. Nada más abandonar el madrileño Teatro Real supe que siempre iba a recordarla y que, además, que será cada vez más difícil vivir experiencias similares.

El merito es de la obra de Wolfgang Rihm Die Eroberung von Mexico (La conquista de México). Aquí hicimos una breve presentación de la obra y sus principales características pero he de reconocer que vivirla en directo me ha permitido conocerla más profundamente. Para ello ha sido clave la labor escénica de Pierre Audi y su habilidad para plasmar en imágenes la crudeza y la poética crueldad de la obra. Para ello Audi dispuso de una estructura cuadrada, rodeada por un foso del que salían y entraban, como si fueran insectos, cantantes y actores durante la representación, creando un efecto óptico muy interesante. No fueron estas las únicas imágenes a subrayar pues la propuesta escénica dispone de varias ellas, como las creadas a t5ravés de un holograma simulando gigantes esqueletos.

Al nivel del trabajo de Audi hay que reseñar la labor de Alejo Pérez en la dirección musical, compleja por la distribución de los tres grupos musicales, dos en el foso habitual y el tercero en los palcos laterales y en el denominado palco real. En la orquesta prevalecen los metales y, sobre todo, la percusión, desplegada a través de todo el teatro y creando sensaciones sonoras inhabituales.

Dicho todo esto conviene centrar nuestra atención en la mejo prestación musical: la del coro titular, el Coro Intermezzo. Supero las numerosas dificultades técnicas planteadas por Rihm en forma de susurros, suspiros, sonidos onomatopéyicos y similares. La mejor prestación coral en una ópera desde hace mucho tiempo.

Las voces principales son dos: el papel de Montezuma la asume una soprano, la lituana Ausrine Stundyte en este caso que cumplió con brillantez su labor. Más allá de cantar, que también, se le exige actuar y tampoco en esta labor desmereció lo ofrecido. Mucha menos interés tuvo la voz de Cortez, el barítono austriaco Holger Falk. En el foso orquestal se encontraban dos voces femeninas con tesituras extremas, la soprano alemana Caroline Stein y la contralto serbia Katarina Bradic. Ambas cumplieron a plena satisfacción.

Las funciones de Die Eroberung von Mexico han coincidido con la precipitada marcha del director artístico Gerard Mortier. Enfermo de cáncer, Mortier ha de afrontar ahora una labor principal cual es la superación de la enfermedad y estas funciones son perfecto regalo a los abonados al Real. Cierto es que algunos pocos abandonaron la función antes de terminar  de un adiós (se ofreció sin descansos en sus cien minutos de duración y hay que reconocer la dificultad intrínseca de la obra) pero la mayoría disfruto de la obra y aplaudió el espectáculo. Tengo la seguridad de que quedaran para el futuro como funciones referenciales, símbolo de una época.  


Ficha técnica: Die Eroberung von Mexico, de Wolfgang Rihm (1992), Ausrine Stundyte (Montezuma, soprano), Holger Falk (Cortez, barítono), Graham Valentine (Hombre que grita, actor), Caroline Stein (soprano), Katarina Bradic (contralto), Coro y Orquesta del Teatro Real, de Madrid, Alejo Pérez (dirección musical). Madrid, 12 de octubre de 2013.

2013/10/08

Hangman, Hangman!



Leonardo Baladak egindako Hagman, Hangman! (Borreroa, borreroa!) gizakiaren zikoizkariaren ganbara-opera da eta konpositore estatubatuarra (Bartzelonan jaioa) 1982. urtean estreinatu zuen. Konpositoreak bere opera tragikomedia dela dio eta argumentuari so egiten badiogu Leonardo Baladaren ironia eta umorea dastatzeko aukera izango dugu.

Opera far-westeko munduan girotuta dago eta hasieran Johnny gaztea aurkezten zaigu, urkatua izan baino minutu batzuk lehenago. Zaldi bat lapurtzea leporatu diote eta horregatik heriotz-zigorra pairatu behar. Johnnyk bere amari etxeko abereak saltzea ekatu dio zaldiaren balorea konpensatu ahal izateko baina bere amak ezetz esango dio, honek familia osoa miseria gorrian uztea suposatuko lukeelako. Ama Johnnyren aurrean dago eta bere semea nola urkatzen duten ikustera etorri da, besterik ez.

Lapurtutako zaldia sinboloa da. Johnnyk munduan zehar zamalkatu nahi zuen lur berriak ezagutzeko, lagun berriak egiteko, bizitza berri baten aukera eskuratzeko, hots, bere ametsak bete ahal izateko. Dana alperrik izango da.

Amaren diskurtsoa amaitu eta berehala aita agertzen da eta urkatua ez dela hain gaizki egongo esaten dio semeari. Jarraian bere maitalea agertuko zaio, urkamendiruntz korrika. Johnnyk bere maitalea behar duen dirua ekartzen duela pentsatuko du baina maitaleak bakarrik abesti bat ekartzen dio, Johnnyren azken uneak gozoagoak izan daitezen.

Johnnyk dena galdutzat ematen du. Ez amak, ez aitak ez maitaleak, inork ez dio behar duen laguntzarik ematen. Johnnyk bere etorkizuna onartzen du eta bizitzari agurra emanez maitasunari abestuko dio. Abesti honekin jendearen artean dagoen gizon ezezagun baten bihotza hunkitu egiten du eta gizon honek dirua emateko prest dagoela jakinarazten dio Johnnyri. Ez hau bakarrik, ikusle guztien jarrera salatu eta Johnny pertsona on bakarra dela dio eta bere laguntzaile pertsonala izendatzen du. Gizona aberatsa da eta bapatean guztiok Johnnyren lagunak izan nahi dute. Honek etika eza konprobatzerakoan jendearekiko nazka besterik ez du sentituko .

Opera laburra da oso, berrogeitabost minutu inguru eta hamabost urte beranduago Leonardo Baladaren historia honi jarraipena eman zion The Town of the Greed (Zekenkeriaren hiria) ganbara-operarekin non Johnnyren finantzen munduan bizi dituen pasadizo berriak kontatzen diren. Beste une batean aurkeztuko dizuet bigarren opera hau.

Hona hemen Hangman, Hangman! operaren hiru zati musikalak. Lehenengoa operaren sarrera dugu, orkestrarako preludioa. (1) Prologue (Atarikoa).


Bigarren zatian aitaren eszena dugu. Bere semearen aurrean dago eta barkamenak eskatzen dizkio berandutzeagatik. Ez du dirurik ekarri, bere semea nola urkatzen duten ikusi nahi du bakarrik. (2) Sorry, sonny, Johnny (Barkatu, semetxo, Johnny).


Amaitzeko, operaren bukaera. Nahiz eta bere inguruan gertatutako guztia harrigarria izan Johnnyk egoera onartu, ezezagunak eskeinitako karguari baietza esan eta bizitza berri bati ekingo dio, zaldia lapurtu zuenean egin nahi zuen bezala. (3) What the heck! (Ze demontres!).


Bertsioa: Leonardo Baladaren Hangman, Hangman! (1982), James Longmire (Johnny, tenorea), Robert Fire (aita, baxua), Carnegie Mellon Talde Garaikidea, Colman Pearce (zuzendaria).




La ópera Hangman, Hangman! (¡Verdugo, verdugo!), de Leonardo Balada es una breve ópera de cámara de este compositor estadounidense, nacido en Barcelona, que trata sobre la mezquindad del ser humano. El compositor la define como una tragicomedia y si reparamos en su argumento se nos aparecen con nitidez la ironía y el humor que despliega Leonardo Balada.

La ópera está ambientada en el mundo del lejano oeste y al comienzo nos presenta a un joven, de nombre Johnny, apenas minutos antes de ser ahorcado. Le han acusado de robar un caballo y por ello ha recibido el castigo capital. Johnny suplica a su madre, presente en la ejecución, la venta de la hacienda familiar para satisfacer el valor del caballo pero la respuesta de su madre es negativa pues ello acarrearía la miseria para toda la familia. La madre está delante de su hijo y le reconoce que está presente solo para ver cómo ahorcan al hijo.

El caballo robado no es más que un símbolo. Johnny quería cabalgar sobre él para conocer nuevas tierras, hacer nuevos amigos y, en definitiva, dar inicio a una vida nueva, es decir, poder cumplir sus sueños. Todo ha sido en vano.

Nada más finalizar la madre aparece el padre, que recuerda al hijo que ahorcado tampoco se está tan mal. Más tarde, corriendo entre los espectadores del ajusticiamiento, aparecerá la amante de Johnny. Este verá renacer sus esperanzas de arreglo de la situación pero su amante solo le trae una canción para hacer más llevadero el momento.

Johnny da todo por perdido. Ni su madre, ni su padre, ni su amante,… nadie parece dispuesto a darle ayuda real. Finalmente Johnny se resigna a su suerte y canta al amor en su peculiar adiós a la vida. Esta canción sacude la conciencia de un hombre desconocido que acepta pagar el valor de caballo y librar de la muerte a Johnny. Aún más, declara que Johnny es la única persona de buen corazón presente, denuncia la actitud de todos los demás y le nombra asistente personal. El desconocido es un magnate de los negocios. Ello provoca la reacción de alegría de todos y declaran su voluntad de ser amigos de Johnny, el cual solo siente desprecio ante tal cambio de actitud.

La ópera, queda dicho, es breve, apenas cuarenta y cinco minutos y quince años después Leonardo Balada escribió una segunda ópera de cámara, The Town of the Greed (La ciudad de la avaricia), secuela de la protagonista de hoy y donde se nos cuentas nuevas aventuras de un Johnny metido en el mundo de las finanzas. La traeremos aquí en un futuro.

He aquí los tres fragmentos musicales de Hangman, Hangman! En el primero tenemos el preludio orquestal de la ópera. (1) Prologue (Prólogo).

En el segundo tenemos la escena de Johnny y su padre. Este le pide perdón por llegar tarde a la ejecución a la vez que le anuncia que su único objetivo es ver el ahorcamiento. (2) Sorry, sonny, Johnny (Disculpa, hijo mio, Johnny).

Para finalizar, la última escena de la ópera. A pesar de lo increíble de la situación vivida Johnny acepta la nueva situación, acepta el cargo que le ofrece el desconocido y apuesta por una nueva vida, tal y como quiso cuando robo el caballo. (3) What the heck! (¡Qué diablos!).

Versión: Hangman, Hangman!, de Leonardo Balada (1982), James Longmire (Johnny, tenor), Robert Fire (aita, bajo), Grupo Contemporáneo Carnegie Mellon, Colman Pearce (dirección musical).